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Carlo Bugatti

(Milano 1856 – Molsheim 1940)

Due esemplari inediti

Carlo Bugatti, dopo aver frequentato l’Accademia di Brera, si perfeziona a Parigi all’Ecole des Beaux-Arts , coltivando  vari interessi, quali pittura, architettura e progettazione di strumenti musicali.
Alla fine dell’ apprendistato presso l’ebanista Mentasti, in Via San Marco a Milano, nel 1888 apre il suo primo laboratorio in via Castelfidardo 6, e presenta alcuni mobili all’Esposizione Italiana a Londra dove ottiene il Gran diploma d’Onore, confermando di essere l’artista italiano  fra i  più  innovatori e geniali.
Sebbene risenta del clima di sperimentazione e di rottura con la tradizione, e del fascino per l’esotico e l’oriente tipici del periodo, lo stile  che caratterizza i suoi arredi è difficilmente collocabile in quanto indipendente e in continuo divenire, e senza dubbio inconfondibile per la sua unicità.
La continua ricerca lo porta a sperimentare nuove linee e materiali.  Utilizza pergamena, pelli di cammello o leone e rame battuto per rivestire le superfici e peltro, ottone, osso e madreperla per le tarsie. Inoltre collabora con artisti della Scapigliatura milanese quali Segantini, Longoni, Pellegrini – e per un certo periodo anche con il figlio  Rembrandt – per la realizzazione dei decori pittorici.
Il grande apprezzamento per le creazioni di Carlo Bugatti, soprattutto fra i più lungimiranti critici d’arte e collezionisti stranieri dell’epoca, è ancora una volta confermato all’Esposizione di Parigi del 1900, quando con i suoi ‘mobili artistici’ vince una medaglia d’argento.
In quegli anni le linee nette e spigolose del primo periodo diventano sinuose e l’ebano e le tarsie lasciano sempre più il posto alla pergamena e ai decori pittorici.
Ed è proprio con questi Bugatti ‘bianchi’ che a Torino nel 1902, con le quattro sale premiate con il Gran diploma d’Onore, l’ebanista milanese raggiunge l’apice della sua maturità artistica.
Straordinario esempio della sua genialità sono i due esemplari inediti qui presentati,  sedia e  poltrona in pergamena dipinta.  Le due sedute facevano parte di un intero arredo  composto da scrittoio, mobile e  boiserie, esposti proprio a Torino nel 1902   in una delle quattro sale premiate.
Dell’insieme era rimasta solo la documentazione dell’epoca,  i due disegni preparatori conservati a Parigi,  (ODO 1996-40-140/ 530, pag. 63 e pag. 83 del catalogo  “Carlo Bugatti au Musée d’Orsay”- 2001).
Dopo più di un secolo  sono riemersi dalla storia questi due esemplari antropomorfi,  “più sculture che sedute”, testimonianza della straordinaria modernità di C.B. e della sua capacità di coniugare  la pittura simbolista, il tema dell’acqua è ricorrente  in tutto il decoro, libellule, girini, fiori acquatici,  con  un  design dalle  forme pure e geometriche,  anticipando di almeno due decenni il gusto che caratterizzerà il ‘900.
Malgrado i ripetuti riconoscimenti da parte della critica più evoluta, Melani ne ammira “l’audacia”, nel 1902/03 Carlo Bugatti si trasferisce a Parigi, dove da tempo ha un laboratorio, e cede definitivamente l’attività milanese alla A. De Vecchi & Co. Nella capitale francese presso il fonditore Hébrard, dove lavora anche il figlio Rembrandt, si dedica alla creazione di oggetti in bronzo, argento e avorio con cui parteciperà a diverse esposizioni internazionali. (Parigi 1907, Venezia 1910, per citarne alcune).
Nel 1937, alla morte della figlia Deanice e della moglie, si ritira e si trasferisce a Molsheim presso l’altro suo figlio Ettore, il noto costruttore di automobili.

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Oggi le sue opere sono nei principali musei:
Museo d’Orsay, Parigi; Metropolitan Museum, NY; Victorian and Albert Museum, Londra; Museo delle Arti Decorative del Castello Sforzesco, Milano; Brooklyn Museum, N.Y.; The Montreal Museum of Fine Arts, Montreal; The Wolfson Collection, Genova-Miami.

Referenze bibliografiche,
A.Melani, L’Esposizione dìArte decorativa odierna in Torino, III Mobili Italiani, Torino 1902 .
Pica, L’arte decorativa all’Esposizione di Torino del 1902, Bergamo 1903
Poldi Pezzoli, Milano 70/70 vol.1° pag.140 anno 1902
Philippe Dejean, Carlo – Ettore – Rembrandt – Jea Bugatti, Parigi 1981 pagg. 56-57
R. Bossaglia, I Bugatti, Palazzo dei Diamanti, Ferrara 1988

Guido Marussig

(Trieste 1885 – Gorizia 1972)

Osservando il percorso artistico di Guido Marussig è difficile delineare sia la sua opera che la sua personalità di artista poliedrico che non disdegna incursioni in più campi, dal francobollo, al lampadario, dal manifesto al mobile, dall’architettura alla scena teatrale, dal dipinto all’incisione e alla decorazione murale.
La Trieste di fine secolo e fino al 1918, data dell’annessione all’Italia, è il porto principale dell’Impero austro-ungarico, luogo di scambi culturali diversi; è proprio in questo contesto multirazziale con il prevalere della cultura austro-tedesca, che l’Artista, fortemente influenzato dall’arte di Gustav Klimt, di Frank von Stuck e di Max Klinger, si fa interprete raffinato dello stile «secessionista» in cui prevale il rigore geometrico.
Nel 1905 partecipa all’Esposizione Internazionale d’Arte di Venezia, dove sarà ancora presente nel 1907 con l’opera “Salice piangente” nella celeberrima sala internazionale “L’Arte del sogno”, con Galileo Chini, Plinio Nomellini, Gaetano Previati, Edoardo De Albertis, Arturo Martini, Libero Andreotti, Franz von Stuck, George Minne, Hans St. Lerche e Maurice Denise. La sua presenza alle Biennali veneziane sarà poi costante negli anni a seguire.
Dal 1908 al 1913 partecipa alle Esposizioni di Cà Pesaro, di cui disegna il manifesto della prima edizione.
Sono estremamente rari sul mercato i suoi dipinti datati tra il 1905 e il 1920 e l’opera qui proposta fa parte di queste eccezioni; il suggestivo e ammaliante “Tramonto” 1907, con i riflessi di luce e la magia dell’acqua, rientra tra i suoi primi lavori simbolisti, vicino a quel gusto “secessionista” respirato nella sua Trieste. Il dipinto fu esposto a Firenze nel 1910 all’Esposizione dell’Associazione degli Artisti Italiani (timbri doganali al retro della tela, Firenze luglio 1910 e dogana italiana 1912).
Come lo stesso Marussig scrive a Edgardo Sambo, che nel frattempo riveste la carica di Direttore del Museo Revoltella di Trieste, a proposito del suo dipinto Plenilunio d’estate… “fu dipinto nel 1908 ed è modernissimo…”.
Il suo richiamo a Venezia è costante nei dipinti, nei disegni e nelle xilografie. Celebre la sua opera “Prue dentate” 1918, conservato alla Galleria Internazionale d’ Arte moderna di Ca’ Pesaro a Venezia.
Dal 1916 si trasferisce a Milano, dove si occupa principalmente di grafica e collabora attivamente con la casa discografica Ricordi. Nello stesso periodo si dedica prevalentemente alle arti decorative e all’insegnamento e partecipa alla realizzazione di alcune opere architettoniche milanesi.
Negli stessi anni inizia una stretta collaborazione con Gabriele d’Annunzio, lavorando a buona parte degli arredi del Vittoriale e curando l’allestimento scenico per “La nave” alla Scala. Questa sarà la prima delle svariate scenografie che progetterà negli anni a venire per il teatro milanese.
Il suo studio a Milano è frequentato dai maggiori critici d’arte, Ojetti, Marangoni, Janni e Colasanti.
Dal 1929 al 1932 fa parte del gruppo “900 di Margherita Sarfatti.

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Mostre
Roma, Prima Biennale Romana 1921, Quadriennale 1955 e 1959
Torino 1921, 1931
Monza, Biennale 1923, 1925,
Venezia 1922, 1924, 1925, 1930, 1932, 1934, 1935, 1936, 1948, 1950, 1972
Milano, Galleria Lino Pesaro
Milano, Permanente nel 1929 con il gruppo di “Novecento”
Milano, 1932
Milano, Triennale del 1936
Padova, 1931
Bergamo, 1959 V Premio Bergamo, medaglia d’oro

All’estero espone al Salon d’automne di Parigi, al Glasspalast di Monaco di Baviera, ad Amsterdam, a San Francisco, a St.Louis, a Barcellona, a Dresda.

Opere in Musei o istituzioni
Museo Revoltella – Galleria d’Arte Moderna Trieste
Galleria d’arte moderna di Palazzo Pitti, Firenze
Galleria Internazionale Arte moderna di Ca’ Pesaro, Venezia
Museo Rizzarda, Feltre
Vittoriale degli italiani, Gardone Riviera (Bs)
Raccolta Fondazione Cariplo-Milano Gallerie d’Italia, Milano
Palazzo di Giustizia di Milano
Ospedale Niguarda, Milano
Galleria Comunale d’Arte, Cagliari
Museo della xilografia italiana, Carpi
Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea, Latina
Collezione delle Stampe del Castello Sforzesco, Milano
Collezioni Comunali, Montecatini Terme
Museo Civico, Pallanza
Galleria d’Arte Moderna Ricci Oddi, Piacenza
Galleria Comunale d’Arte Moderna, Roma
Istituto nazionale per la grafica, Roma
Museo del Risorgimento, Venezia

Referenze bibliografiche,
G.Belli, Venezia, gli anni di Cà Pesaro, 1908-1920 ed. Mazzotta 1987,
C.F. Carli, Lela Djokic, Daniela Balzaretti,. G. M. 1885-1972: tra simbolismo e déco, Roma 2003;
V. Strukelj – G. Sgubbi G. M., il mestiere delle arti. Museo Revoltella, Trieste, 2004
V. Sgarbi, Sogni: visioni tra simbolismo e liberty, 2005

“La sua incredibile eccellenza tecnica e lo straordinario eclettismo furono attaccati sia dai conservatori – che non lo vedevano allineato per i contenuti ancora pervasi dal Simbolismo e per le scelte formali caratterizzate da richiami gotici ed espressionisti estranei alla tradizione mediterranea e all’arte di regime – sia dai sostenitori del moderno che mettevano in discussione la sua fedeltà alla figura, la vocazione monumentale, il continuo dialogo con i grandi scultori e pittori del passato, e la predilizione della scultura come esaltazione della tecnica e del materiale tradizionalmente privilegiato, il marmo, che lui sapeva rendere con effetti sorprendenti sino alla più elevata purificazione dell’immagine. Questi aspetti, che ne hanno condizionato per lungo tempo la fortuna, esercitano oggi su di noi un fascino nuovo che solo una grande mostra può finalmente restituire.

Partendo dall’eccezionale nucleo di opere conservate a Forlì, dovute al mecenatismo della famiglia Paulucci di Calboli, protagonista della storia della città e della storia nazionale, e grazie alla disponibilità dell’Archivio Scheiwiller (il grande editore milanese che per via familiare ha ereditato molte opere e materiali di Wildt), è oggi possibile radunare una serie di straordinari capolavori di Wildt e ricostruire il percorso più completo della sua produzione sia scultorea sia grafica. L’idea che governa questa esposizione non è semplicemente quella di una rassegna di carattere monografico, ma quella di un percorso che (come nel caso della recente mostra di Forlì su Canova) metta in relazione profonda le sue opere con quelle degli artisti – pittori e scultori – del passato (come Fidia, Cosmè Tura, Antonello da Messina, Dürer, Pisanello, Bramante, Michelangelo, Bramantino, Bronzino, Bambaia, Cellini, Bernini, Canova) e dei moderni (Previati, Dudreville, Mazzucotelli, Rodin, Klimt, De Chirico, Morandi, Casorati, Martini, Messina, Fontana, Melotti) con cui si è intensamente e originalmente confrontato, attraversando ambiti e momenti diversi della vicenda artistica. I temi da lui privilegiati, come quelli del mito e della maschera, gli consentirono di dialogare anche con la musica (Wagner) e la letteratura contemporanea, da D’Annunzio (che fu suo collezionista) a Pirandello e Bontempelli; così, da ritrattista eccezionale quale era, con i magnifici busti colossali di Mussolini, Vittorio Emanuele III, Pio XI, Margherita Sarfatti, Toscanini e di tanti eroi di quegli anni, egli ha saputo creare un Olimpo di inquietanti idoli moderni. Wildt vuole condurre i gesti, i volti, le figure umane a una nudità essenziale, coglierne l’anima consentendo al pensiero di giungere a un’armonia maturata e composta tra la linea e la forma.”

Website Mostra Wildt

Urna delle Parche
Bronzo a patina scura, cera persa
Plastica a tutto tondo. A rilievo su tre lati tre figure femminili che raffigurano le Parche e sul nastro
il filo, le forbici e il fuso. In mitologia le Parche, ossia partorienti, sono le creature che assegnano la vita.
La prima, Cloto, fila la trama della vita; la seconda, Lachesi, la conserva mentre la terza, Atropo, che rappresenta l’ineluttabilità, taglia il filo determinando così la fine dell’esistenza umana.
1923
h.cm. 96
Opera esposta alla VI Biennale d’Arte della Città di Venezia
Antonio Maraini
Roma 1886 – Firenze 1963

Lune Incrociate
Rame e acciaio
1970
l.cm. 48
Firmata ‘Gabriella Crespi’ su targhetta
Provenienza e autentica dell’Artista
Gabriella Crespi
Saronno 1922

My Soul
Bronzo a patina scura, cera persa
1970
h.cm. 58
Firmata ‘Gabriella Crespi C.P’
Copia personale dell’artista, primo esemplare
Provenienza e autentica dell’Artista
Gabriella Crespi
Saronno 1922

La Vittoria
Scultura in gesso patinato bronzo
Firmata e datata ‘MARETTO 1933 XI’
Esposta alla V Triennale di Milano,
allestimento della Casa dell’Aviatore nel contesto della Mostra dell’Abitazione
h. cm. 147,5
Giuseppe Maretto
Milano
1908 – ?

‘Il gesto della giovane e androgina figura femminile, con entrambe le braccia in alto, è certamente esultante…di vittoria!
Una vittoria non tradizionalmente alata, ma certo volante come la saetta che sale alle sue spalle.
Immagine perfetta per il giardino della Casa dell’Aviatore!’
Alfonso Panzetta, Novembre 2007

Coppia di grandi vasi con putto
Corpo ad anfora con quattro prese sagomate e coperchio con cimasa a forma di putto.
Uno dei due con decori concentrici torniti alla base e alla sommità del corpo e sull’orlo del coperchio.
Klinker
1933
h.cm. 130 x 85
Esposti alla V Triennale di Milano nel 1933
Nino Strada (1904 – 1968)
per la Manifattura litoceramica Piccinelli – Bergamo

Autoritratto serio
Gesso
1917 c.ca
h.cm. 50 x 42 x 31
Provenienza: eredi Marangoni, già collezione Guido Marangoni
Ernesto Bazzaro
Milano 1859 – 1937